Jak zostać producentem muzycznym?

Współczesna technologia daje ogromne możliwości wszystkim pasjonatom: nieważne czy chodzi o tworzenie grafiki, produkcję muzyki czy kręcenie i montowanie filmów. Upowszechnienie technologiczne otwiera drzwi każdemu, kto tylko zechce wyspecjalizować się w którejś z twórczych dyscyplin. Schodząc na poziom muzyczny: nie potrzeba już studia za setki tysięcy złotych, żeby tworzyć muzykę. Wystarczy komputer i kilka podstawowych akcesoriów (pisaliśmy o tym w artykule Sprzęt na start!).
Tak naprawdę, wszystko, czego potrzebujesz, siedzi w Tobie.
Czego więc Ci potrzeba? Jak zostać producentem muzycznym? Od czego zacząć?

1. Pasja do muzyki

Tak, to truizm. Ale zarazem to najbardziej podstawowy i niezbędny składnik. Od niego wszystko się zaczyna.
Nie chcemy Cię przestraszyć pisząc, że przed Tobą setki, a raczej tysiące godzin pracy w studio. Albo miesiące ćwiczeń gry na instrumencie, czy też słuchanie setny raz tej samej pętli podczas dopracowywania aranży. Jeśli masz pasję, to będą setki, tysiące godzin przyjemności. Oczywiście – pracy również, czasem trudnej, ale nie będzie to czas spędzony w męczarniach. Wręcz przeciwnie. I tej jednej, jedynej rzeczy Szkoła Muzyki Nowoczesnej Cię nie nauczy. Pasję musisz mieć już w sobie. 🙂

Jednak czytając niniejszy artykuł zakładamy, że to akurat spełniasz. Przejdźmy więc dalej!

2. Teoria muzyki

Wielu dzisiejszych beatmakerów i współczesnych producentów nie ma formalnego wykształcenia muzycznego. Oczywiście, nie jest to żaden obowiązek. Tacy producenci muzyczni również istnieją. Niektórzy mają wrodzony doskonały słuch, inni go wyćwiczyli już w trakcie pracy. Jednak na posiadanie podstawowej wiedzy z zakresu teorii muzyki nie należy na nie patrzeć jak na przykry obowiązek, a jak na coś, co znacznie ułatwi nam pracę.

Szkoła Muzyki Nowoczesnej uczy tego na przedmiocie Teoria Muzyki oraz Kształcenie Słuchu.

3. Domowe studio

Domowe studio brzmi poważnie, ale chodzi po prostu o Twoje miejsce pracy nad muzyką. Jak wspomnieliśmy wyżej, nie musisz mieć wielkiego studia z ogromna konsoletą, czterema parami monitorów odsłuchowych i wielką reżyserką, którą widać w studio Dr Dre. Na początek w zupełności wystarczą komputer, słuchawki i ewentualnie mikrofon. Szczegółowo ten proces opisaliśmy we wspomnianym wyżej artykule „Sprzęt na start”.

Jeśli chciałbyś zgłębić bardziej któryś z tematów sprzętu potrzebnego do produkcji, już teraz sprawdź nasze artykuły o:

• interfejsach audio
• monitorach studyjnych,
• mikrofonach,
• słuchawkach,
• kontrolerach (wkrótce na Blogu SMN!),
• syntezatorach.

Warto podkreślić, że obchodzenia się z tym wszystkim uczymy na przedmiocie Sprzęt Nagraniowy.

4. Program do tworzenia muzyki, DAW

DAW, czyli Digital Audio Workstation to oprogramowanie, za pomocą którego będziesz tworzyć swoje utwory. Czy tworzenie muzyki jest równoznaczne z inwestycją kilku tysięcy zł na początek w oprogramowanie? Otóż, wcale nie. Tak wygląda cennik popularnych programów do tworzenia muzyki:

a) Ableton Live 12 –  Intro 329 zł*, Standard 1169 zł*, Suite 2399 zł*
b) Apple Logic Pro – 999 zł
c) Cockos Reaper – 0zł wersja domowa, 60$ wersja standard, 225$ licencja komercyjna

Tu jednak duża uwaga!
Wersje edukacyjne są o wiele tańsze!

a) Ableton Live 12 – Standard 589 zł*, Suite 1269 zł*, natomiast Ableton Live Intro jest często dodawany za darmo na przykład do kontrolerów obsługujących program Ableton Live.
b) Apple Logic Pro – 999 zł (gratis cały pakiet aplikacji: Final Cut Pro, Logic Pro, Motion, Compressor, MainStage)
c) Cockos Reaper – wciąż 0 zł za w pełni funkcjonalną wersją domową.
*Ceny pochodzą z zaprzyjaźnionego sklepu djshop.pl.

Jak uzyskać wersję edukacyjną oprogramowania do tworzenia muzyki?
Należy posługiwać się statusem studenta, ucznia, lub słuchacza szkoły policealnej. A zatem zapisując się do Szkoły Muzyki Nowoczesnej na Produkcję Muzyczną, możesz liczyć na wersję EDU!

Warto wspomnieć, że na Produkcji Muzycznej uczymy kompletnej obsługi wszystkich trzech DAW’ów: Ableton Live na semestrze I, Apple Logic Pro na semestrze II oraz Cockos Reaper na semestrze III.

5. Biblioteka dźwięków. Instrumenty czy sample?

Skąd wziąć dźwięki do swoich utworów? Jest kilka możliwości.

a) Instrumenty klasyczne, za pomocą rejestracji dźwięku.
Najbardziej oczywistym sposobem pozyskiwania biblioteki dźwięków jest nagrywanie ich. Tu jednak sprawa się komplikuje: skąd wziąć instrumentalistów? Jak ich pokierować by zagrali dokładnie to, co chcesz? Skąd wziąć drogie mikrofony, które prawidłowo zarejestrują brzmienie instrumentów? Na te pytania odpowiedzi są dwie, obie są poprawne i nie wykluczają się wzajemnie: zapisz się do SMN i / lub skorzystaj z Przestrzeni Kreatywnej SMN (również komercyjnie).

b) Instrumenty wirtualne (wtyczki zewnętrzne i pokładowe)

Instrumenty wirtualne to multimedialne biblioteki próbek brzmień, których możemy dowolnie używać. Do ich obsługi wystarczy najtańsza klawiatura midi i oczywiście wybrany przez nas DAW. Niektóre z DAW’ów (Np Apple Logic) posiadają własną, bardzo bogatą bibliotekę przepięknych brzmień. Na rynku istnieją komercyjne biblioteki integumentów i brzmień (np. Native Instruments Komplete), jak również można znaleźć biblioteki darmowe (np. Spitfire LABS).

c) Sample
Trzecim sposobem pozyskiwania dźwięków do swoich produkcji jest sampling. Wielu producentów – zwłaszcza początkujących, bez wykształcenia muzycznego – używa sampli, czyli gotowych próbek dźwięku, całych taktów czy partii. Za pomocą zapętlania, cięcia i innych zabiegów tworzą z nich własne kompozycje. Część producentów i artystów uznaje taki fakt za kradzież czyjejś własności intelektualnej i zwyczajne pójście na łatwiznę. Wszystko jednak zależy od tego, jak podejdziemy do sprawy. Prawdziwem popisem umiejętności jest na przykład stworzenie utworu „Face To Face” zespołu Daft Punk, w którym zostały użyte fragmenty 18 (!) utworów muzycznych. Ciężko w tym przypadku o “pójściu na łatwiznę”.

Uwaga! Pamiętajmy, że korzystanie z czyjejś twórczości bez zgody autora jest złamaniem prawa autorskiego i grozi konsekwencjami prawnymi. Zachęcamy do korzystania z legalnych bibliotek sampli, np. popularnego Splice.

Nagrywanie instrumentów muzycznych, korzystanie z instrumentów wirtualnych oraz na samplach – wszystkiego nauczysz się na przedmiocie Produkcja Muzyczna!

6. Mix i mastering utworu muzycznego.

Mówi się, że miks i mastering powinna robić osoba, która nie jest producentem danego utworu. Czy to prawda? Tak, oczywiście. Jednak podstawy miksu, masteringu i obsługi wtyczek warto znać na etapie tworzenia swojej produkcji. Ale czym w ogóle jest miks i mastering utworów muzycznych?

Miks utworu muzycznego jest procesem, który ma na celu uformowanie spójnego i pożądanego brzmienia danego utworu, poprzez pracę na poszczególnych ścieżkach. Na tym etapie dokonujemy korekcji poziomów głośności poszczególnych śladów, panoramowania ich, korekcji częstotliwości (poszczególnych śladów, jak i grup) za pomocą EQ ich kompresji, zastosowania automatyzacji oraz dodania efektów takich, jak reverb, delay, chorus, flanger itd.

Mastering natomiast jest końcowym etapem produkowania utworu muzycznego lub całego albumu. Wówczas pracuje się na jednym, zmiksowanym śladzie i dokonuje ostatnich szlifów brzmieniowych. Na tym etapie Inżynier Dźwięku dokonuje również optymalizacji brzmienia utworu, dostosowując go do formatu CD, winylowego lub streamingu.

Miksu i masteringu uczymy na przedmiotach… Miks oraz Mastering (wow!) na semestrach II, III i IV.

7. Kolaboracje, kontakty